Swell Belly, installation/assemblage
Materials: Found objects/trinkets, resin, lighting.
Process: Installation/assemblage.
Exhibited: Montreal Arts Interculturels (for the exhibition entitled Paradigm of Fusion with artist Tomoyo Ihaya)
The following text was presented during the Paradigm of Fusion exhibition opening (scroll down for French version):
-English-
Calgary's Shyra de Souza is interested in the complex relationship we have with objects. It explores the accumulation of materials that the consumer society produces, it focuses more precisely on the objects carrying symbolic contents that go through processes of transformation through time to finally become "vestiges".
De Souza's reflections focus on surpluses, what remains in the consumer society or outright remnants of the consumer society. She selects objects from everyday space to divert their meanings. These installations generate organic atmospheres that evoke a baroque aesthetic, these works are created from a multitude of objects that it accumulates and collects. These objects are carefully selected and unearthed in his many visits to second-hand shops.
The pieces she integrates into these installations go through a process of deconstruction, fusion, addition or withdrawal and that with attention to detail and a monochrome finish that gives them.
As in a three-dimensional collage, De Souza denaturalizes the object, deflects its meanings and proposes binary dispositions that reveal dichotomies such as the objective / subjective universes, the useful / useless qualifiers, and the states of consciousness / unconsciousness, among others.
Phantom Limb is an installation that inhabits space from a multitude of bicéphale elements of various dimensions that project into space to appear or give the impression of dissolving in a vacuum. This installation is designed from modular pieces that form a dynamic structure. Their arrangement evokes the skeletons or vertebral columns of dinosaurs hanging in natural history museums.
De Souza controls the abundance of forms through the treatment of elements such as the unification of all forms painted white, which create contrasts with the materials of different objects. It thus questions the problem of overconsumption and questions the relationship of different social classes but also the obsolescence of projected stereotypes in objects over time. In his way De Souza made an act of resistance, an act of memory made visible by recovering and suspending the material before it was lost in oblivion.
The Swell Belly piece was designed for this exhibition. In this work De Souza highlights the accumulation and non-functionality of some decorative objects to question notions of beauty and femininity. The swan, a symbol of many cultures of sensuality, beauty, and artistic inspiration, is often associated with purity and femininity. Here this symbol plays the card of ambiguity because it is reproduced in large numbers, captured, superimposed and reversed to form a massive form coarse, full of tension. This piece explores a kitsch aesthetic that highlights the artist's explorations, particularly when she questions the mechanisms of power within the social production of signs that internationalize in the collective imagination over time. These objects go through a process of mechanization and degradation until they become grotesque.
In his work "Eyes Water Fire," Vancouver's Tomoyo Ihaya presents a range of creative experiences that seek to share the dimension of human suffering. She tries to sensitize us through an artistic experience as a strategy of meaning in the face of phenomena such as exile and violence. Tomoyo explores artistic means close to meditation. Throughout her work she explores a spiritual dimension through practices such as prayer or healing. These experiences take shape through different mediums such as video, drawing and installation. The artist traces a path to hope through empathy, art, resilience and human dignity.
In this work Tomoyo proposes us a universe where three elements intermingle like water, the fire and the eyes coexist. In his artistic approach each party has important symbolic contents.
Water symbolizes boundaries and movement in the territory, legs represent uprooting. Tomoyo refers more specifically to the experience of exile in India of the Tibetan community who crossed the mountains and the ocean by boat to India.
Fire is a reference to resistance, resilience and sacrifice. The immolation practiced by a large number of people denounces violence and excess of power and aims to promote respect and dignity. Fire is also present in the structure of the drawings because often the artist burns the paper, which is called Gampi, by forming holes with incense sticks in the act of purification, meditation and prayer. These holes thus open a space, a hope to let a ray of light pass.
The eyes evoke the conscience, the reason and invite to the vigilance. They must be kept open to make suffering visible and to engage as witnesses to provoke emotions and empathy within us. The eyes also evoke the pain represented by black tears.
Tomoyo's work is strongly influenced by these trips to India and Mexico. Tomoyo includes in this exhibition cross references and objects found in these territories, she is particularly interested in wooden toys and paper representing small boats and objects of Catholic rituals of Mexico designed for prayer and called "milagros". Or "miracles" that represent body parts such as eyes, legs or heart.
Like a register and a memorial, Tommoyo accumulates a large number of drawings. Some of these drawings are made on Japanese paper of different sizes. Those exhibited here correspond to a selection from the series entitled Drawings of Dharamsala (capital of the Tibetan government in exile in India). This series was started in 2012 by Tomoyo from a trip to India. These drawings retrieve stories of self-immolation rituals as a form of protest. The artist worked for six months with the communities she crossed and documented immolations performed as an act of resistance through different mediums such as drawing and photography.
The two videos presented here "Water Fire Eyes" are based on the drawings of the series Dharamsala and are an attempt to present a story that invites the reflection and sharing of this quest for human dignity that Tomoyo offers us from the artistic act as a strategy of meaning and healing, humanity and hope to face the harmful ideologies of contemporary societies.
These two artists converge in a relationship that oscillates between destruction and reconstruction dynamics, both material and cognitive. Both collect, document, draw together, weave bridges and questions between human and symbolic, material and spiritual universes.
De Souza reminds us of the deep and complex relationship with the material world exacerbated by consumption. It compiles, accumulates deconstructed, resists oblivion, builds bridges to cross the boundary between matter, symbols and memory. For his part, Tomoyo makes visible the mechanisms of a particular form of social resistance that proves that fire can not burn the memory, or reduce to ashes hope or dignity. His drawings transmute, transcend disciplinary and physical boundaries by taking multiple forms against invisibility to empathize, a source of spirituality shared by humanity. Finally, if the aesthetics explored by these two artists appear very different, they approach the artistic act as a form of knowledge carrying multiple meanings.
Mariza Rosales Argonza
-French-
Shyra de Souza de Calgary s’intéresse au rapport complexe que nous entretenons avec les objets. Elle explore l’accumulation des matériaux que la société de consommation produit, elle se penche plus précisément sur les objets porteurs de contenus symboliques qui passent par des processus de transformation à travers le temps pour devenir finalement des « vestiges ».
Les réflexions De Souza portent sur les excédents, de ce qui reste dans la société de consommation ou carrément des restes de la société de consommation. Elle sélectionne des objets de l’espace du quotidien pour détourner leurs significations. Ces installations génèrent des ambiances organiques qui évoquent une esthétique baroque, ces œuvres sont crées à partir d’une multitude d’objets qu’elle accumule et collectionne. Ces objets sont soigneusement sélectionnés et dénichés dans ses multiples visites dans les boutiques d’occasion.
Les pièces qu’elle intègre dans ces installations passent par un processus de déconstruction, de fusion, d’ajout ou de retrait et cela avec un souci du détail et une finition monochrome qu’elle leur donne.
Comme dans un collage tridimensionnel, De Souza dénaturalise l’objet, détourne ses significations et propose des dispositions binaires qui révèlent des dichotomies tels que les univers objectifs / subjectifs, les qualificatifs utile / inutile, et les états de conscience / inconscience, entre autres.
Phantom Limb est une installation qui habite l’espace à partir d’une multitude d’éléments bicéphales de dimensions variés qui se projettent dans l’espace pour apparaitre ou donner l’impression de se dissoudre dans le vide. Cette installation est conçue à partir de pièces modulaires qui forment une structure dynamique. Leur disposition évoque les squelettes ou les colonnes vertébrales de dinosaures suspendus dans les musées d’histoire naturelle.
De Souza contrôle l’abondance des formes grâce au traitement des éléments tels que l’unification des formes toutes peintes en blanc, ce qui créer des contrastes avec les matériaux des différents objets. Elle questionne ainsi le problème de la surconsommation et s’interroge sur le rapport entre les différentes classes sociales mais aussi sur l’obsolescence des stéréotypes projetés dans les objets à travers le temps. À sa manière De Souza fait un acte de résistance, un acte de mémoire rendu visible en récupérant et en suspendant la matière avant qu’elle ne se perde dans l’oubli.
La pièce Swell Belly a été conçue pour cette exposition. Dans ce travail De Souza met en relief l’accumulation et la non-fonctionnalité de certains objets décoratifs pour questionner les notions de beauté et de féminité. Le cygne, symbole dans plusieurs cultures de sensualité, de beauté, d’inspiration artistique est souvent associé à la pureté et la féminité. Ici ce symbole joue la carte de l’ambigüité parce qu’il est reproduit en grand nombre, capturé, superposé et renversé pour former une forme massive grossière, pleine des tensions. Cette pièce explore une esthétique kitsch qui met en évidence les explorations de l’artiste, particulièrement quand elle questionne les mécanismes de pouvoir à même la production sociale des signes qui s’internationalisent dans l’imaginaire collectif à travers le temps. Ces objets passent par un processus de mécanisation et de dégradation jusqu'à devenir grotesques.
Dans son travail « Eyes Water Fire », Tomoyo Ihaya de Vancouver présente un éventail d’expériences créatrices qui cherchent à faire partager la dimension de la souffrance humaine. Elle tente de nous sensibiliser à travers une expérience artistique en tant que stratégie de sens face aux phénomènes comme l’exil et la violence. Tomoyo explore des moyens artistiques proches de la méditation. Dans l’ensemble de son œuvre elle explore une dimension spirituelle à travers des pratiques telles que la prière ou la guérison. Ces expériences prennent forme au moyen de différents médiums tels que la vidéo, le dessin et l’installation. L’artiste trace ainsi une route vers l’espoir grâce à l’empathie, l’art, la résilience et la dignité humaine.
Dans ce travail Tomoyo nous propose un univers où cohabitent trois éléments qui s’entrecroisent comme l’eau, le feu et les yeux. Dans sa démarche artistique chaque partie possède des contenus symboliques importants.
L’eau symbolise les frontières et le déplacement dans le territoire, les jambes représentent le déracinement. Tomoyo évoque plus spécifiquement l’expérience de l’exile en Inde de la communauté tibétaine qui a traversé à pied les montagnes et l’océan en bateau jusqu’a l’Inde.
Le feu est une référence à la résistance, la résilience et au sacrifice. L’immolation pratiquée par un nombre important de personnes dénonce la violence et l’excès de pouvoir et a pour objectif de promouvoir le respect et la dignité. Le feu est aussi présent dans la structure des dessins puisque souvent l’artiste brûle le papier, qui se nomme Gampi, en formant des trous avec des bâtons d’encens en acte de purification, de méditation et de prière. Ces trous ouvrent ainsi un espace, un espoir pour permettre de laisser passer un rayon de lumière.
Les yeux évoquent la conscience, la raison et invitent à la vigilance. Ils doivent être maintenus bien ouverts pour rendre visible la souffrance et nous engager en tant que témoins pour provoquer en nous des émotions et de l’empathie. Les yeux évoquent aussi la douleur représentée par des larmes noires.
Le travail de Tomoyo est fortement influencé par ces voyages en Inde et au Mexique. Tomoyo inclut dans cette exposition des références croisées et des objets trouvés dans ces territoires, elle s’intéresse particulièrement à des jouets en bois et en papier représentant des petits bateaux et à des objets de rituels catholiques du Mexique conçus pour la prière et appellés «milagros» ou «miracles» qui représentent des parties de corps tels que les yeux, les jambes ou le cœur.
À la façon d’un registre et d’un mémorial, Tommoyo accumule un grand nombre de dessins. Certains de ces dessins sont réalisés sur papier japonais de formats différents. Ceux qui sont exposés ici correspondent à une sélection de la série intitulée Dessins de Dharamsala (capitale du gouvernement tibétain en exile en Inde). Cette série a été commencée en 2012 par Tomoyo à partir d’un voyage en Inde. Ces dessins récupèrent des récits de rituels d’auto immolation comme forme de protestation. L’artiste a travaillé pendant six mois avec les communautés qu’elle a croisées et a documenté des immolations exécutées comme acte de résistance à travers différents médiums comme le dessin et la photographie.
Les deux vidéos ici présentés « Water Fire Eyes », sont conçus à partir des dessins de la série Dharamsala et sont une tentative à présenter un récit qui invite a la réflexion et au partage de cette quête de dignité humaine que Tomoyo nous propose à partir de l’acte artistique comme une stratégie de sens et de guérison, d’humanité et d’espoir pour faire face aux idéologies néfastes des sociétés contemporaines.
Ces deux artistes convergent dans une relation qui oscille entre des dynamiques de destruction et de reconstruction tant matérielle que cognitive. Toutes les deux collectent, documentent, rapprochent, tissent des ponts et des questions entre des univers humains et symboliques, matériels et spirituels.
De Souza nous rappelle la profonde et complexe relation avec le monde matériel exacerbé par la consommation. Elle compile, accumule déconstruit, résiste à l’oubli, bâtit des ponts pour traverser la frontière entre la matière, les symboles et la mémoire. Pour sa part, Tomoyo rend visible les mécanismes d’une forme particulière de résistance sociale qui prouve que le feu ne peut pas bruler la mémoire, ou réduire en cendre l’espoir ou la dignité. Ses dessins transmutent, transcendent les frontières disciplinaires et physiques en prenant de multiples formes contre l’invisibilité pour faire éprouver de l’empathie, source de spiritualité partagée par l’humanité. Finalement, si les esthétiques explorées par ces deux artistes apparaissent bien différentes, elles abordent l’acte artistique comme une forme de connaissance porteur de significations multiples.
Mariza Rosales Argonza
Process: Installation/assemblage.
Exhibited: Montreal Arts Interculturels (for the exhibition entitled Paradigm of Fusion with artist Tomoyo Ihaya)
The following text was presented during the Paradigm of Fusion exhibition opening (scroll down for French version):
-English-
Calgary's Shyra de Souza is interested in the complex relationship we have with objects. It explores the accumulation of materials that the consumer society produces, it focuses more precisely on the objects carrying symbolic contents that go through processes of transformation through time to finally become "vestiges".
De Souza's reflections focus on surpluses, what remains in the consumer society or outright remnants of the consumer society. She selects objects from everyday space to divert their meanings. These installations generate organic atmospheres that evoke a baroque aesthetic, these works are created from a multitude of objects that it accumulates and collects. These objects are carefully selected and unearthed in his many visits to second-hand shops.
The pieces she integrates into these installations go through a process of deconstruction, fusion, addition or withdrawal and that with attention to detail and a monochrome finish that gives them.
As in a three-dimensional collage, De Souza denaturalizes the object, deflects its meanings and proposes binary dispositions that reveal dichotomies such as the objective / subjective universes, the useful / useless qualifiers, and the states of consciousness / unconsciousness, among others.
Phantom Limb is an installation that inhabits space from a multitude of bicéphale elements of various dimensions that project into space to appear or give the impression of dissolving in a vacuum. This installation is designed from modular pieces that form a dynamic structure. Their arrangement evokes the skeletons or vertebral columns of dinosaurs hanging in natural history museums.
De Souza controls the abundance of forms through the treatment of elements such as the unification of all forms painted white, which create contrasts with the materials of different objects. It thus questions the problem of overconsumption and questions the relationship of different social classes but also the obsolescence of projected stereotypes in objects over time. In his way De Souza made an act of resistance, an act of memory made visible by recovering and suspending the material before it was lost in oblivion.
The Swell Belly piece was designed for this exhibition. In this work De Souza highlights the accumulation and non-functionality of some decorative objects to question notions of beauty and femininity. The swan, a symbol of many cultures of sensuality, beauty, and artistic inspiration, is often associated with purity and femininity. Here this symbol plays the card of ambiguity because it is reproduced in large numbers, captured, superimposed and reversed to form a massive form coarse, full of tension. This piece explores a kitsch aesthetic that highlights the artist's explorations, particularly when she questions the mechanisms of power within the social production of signs that internationalize in the collective imagination over time. These objects go through a process of mechanization and degradation until they become grotesque.
In his work "Eyes Water Fire," Vancouver's Tomoyo Ihaya presents a range of creative experiences that seek to share the dimension of human suffering. She tries to sensitize us through an artistic experience as a strategy of meaning in the face of phenomena such as exile and violence. Tomoyo explores artistic means close to meditation. Throughout her work she explores a spiritual dimension through practices such as prayer or healing. These experiences take shape through different mediums such as video, drawing and installation. The artist traces a path to hope through empathy, art, resilience and human dignity.
In this work Tomoyo proposes us a universe where three elements intermingle like water, the fire and the eyes coexist. In his artistic approach each party has important symbolic contents.
Water symbolizes boundaries and movement in the territory, legs represent uprooting. Tomoyo refers more specifically to the experience of exile in India of the Tibetan community who crossed the mountains and the ocean by boat to India.
Fire is a reference to resistance, resilience and sacrifice. The immolation practiced by a large number of people denounces violence and excess of power and aims to promote respect and dignity. Fire is also present in the structure of the drawings because often the artist burns the paper, which is called Gampi, by forming holes with incense sticks in the act of purification, meditation and prayer. These holes thus open a space, a hope to let a ray of light pass.
The eyes evoke the conscience, the reason and invite to the vigilance. They must be kept open to make suffering visible and to engage as witnesses to provoke emotions and empathy within us. The eyes also evoke the pain represented by black tears.
Tomoyo's work is strongly influenced by these trips to India and Mexico. Tomoyo includes in this exhibition cross references and objects found in these territories, she is particularly interested in wooden toys and paper representing small boats and objects of Catholic rituals of Mexico designed for prayer and called "milagros". Or "miracles" that represent body parts such as eyes, legs or heart.
Like a register and a memorial, Tommoyo accumulates a large number of drawings. Some of these drawings are made on Japanese paper of different sizes. Those exhibited here correspond to a selection from the series entitled Drawings of Dharamsala (capital of the Tibetan government in exile in India). This series was started in 2012 by Tomoyo from a trip to India. These drawings retrieve stories of self-immolation rituals as a form of protest. The artist worked for six months with the communities she crossed and documented immolations performed as an act of resistance through different mediums such as drawing and photography.
The two videos presented here "Water Fire Eyes" are based on the drawings of the series Dharamsala and are an attempt to present a story that invites the reflection and sharing of this quest for human dignity that Tomoyo offers us from the artistic act as a strategy of meaning and healing, humanity and hope to face the harmful ideologies of contemporary societies.
These two artists converge in a relationship that oscillates between destruction and reconstruction dynamics, both material and cognitive. Both collect, document, draw together, weave bridges and questions between human and symbolic, material and spiritual universes.
De Souza reminds us of the deep and complex relationship with the material world exacerbated by consumption. It compiles, accumulates deconstructed, resists oblivion, builds bridges to cross the boundary between matter, symbols and memory. For his part, Tomoyo makes visible the mechanisms of a particular form of social resistance that proves that fire can not burn the memory, or reduce to ashes hope or dignity. His drawings transmute, transcend disciplinary and physical boundaries by taking multiple forms against invisibility to empathize, a source of spirituality shared by humanity. Finally, if the aesthetics explored by these two artists appear very different, they approach the artistic act as a form of knowledge carrying multiple meanings.
Mariza Rosales Argonza
-French-
Shyra de Souza de Calgary s’intéresse au rapport complexe que nous entretenons avec les objets. Elle explore l’accumulation des matériaux que la société de consommation produit, elle se penche plus précisément sur les objets porteurs de contenus symboliques qui passent par des processus de transformation à travers le temps pour devenir finalement des « vestiges ».
Les réflexions De Souza portent sur les excédents, de ce qui reste dans la société de consommation ou carrément des restes de la société de consommation. Elle sélectionne des objets de l’espace du quotidien pour détourner leurs significations. Ces installations génèrent des ambiances organiques qui évoquent une esthétique baroque, ces œuvres sont crées à partir d’une multitude d’objets qu’elle accumule et collectionne. Ces objets sont soigneusement sélectionnés et dénichés dans ses multiples visites dans les boutiques d’occasion.
Les pièces qu’elle intègre dans ces installations passent par un processus de déconstruction, de fusion, d’ajout ou de retrait et cela avec un souci du détail et une finition monochrome qu’elle leur donne.
Comme dans un collage tridimensionnel, De Souza dénaturalise l’objet, détourne ses significations et propose des dispositions binaires qui révèlent des dichotomies tels que les univers objectifs / subjectifs, les qualificatifs utile / inutile, et les états de conscience / inconscience, entre autres.
Phantom Limb est une installation qui habite l’espace à partir d’une multitude d’éléments bicéphales de dimensions variés qui se projettent dans l’espace pour apparaitre ou donner l’impression de se dissoudre dans le vide. Cette installation est conçue à partir de pièces modulaires qui forment une structure dynamique. Leur disposition évoque les squelettes ou les colonnes vertébrales de dinosaures suspendus dans les musées d’histoire naturelle.
De Souza contrôle l’abondance des formes grâce au traitement des éléments tels que l’unification des formes toutes peintes en blanc, ce qui créer des contrastes avec les matériaux des différents objets. Elle questionne ainsi le problème de la surconsommation et s’interroge sur le rapport entre les différentes classes sociales mais aussi sur l’obsolescence des stéréotypes projetés dans les objets à travers le temps. À sa manière De Souza fait un acte de résistance, un acte de mémoire rendu visible en récupérant et en suspendant la matière avant qu’elle ne se perde dans l’oubli.
La pièce Swell Belly a été conçue pour cette exposition. Dans ce travail De Souza met en relief l’accumulation et la non-fonctionnalité de certains objets décoratifs pour questionner les notions de beauté et de féminité. Le cygne, symbole dans plusieurs cultures de sensualité, de beauté, d’inspiration artistique est souvent associé à la pureté et la féminité. Ici ce symbole joue la carte de l’ambigüité parce qu’il est reproduit en grand nombre, capturé, superposé et renversé pour former une forme massive grossière, pleine des tensions. Cette pièce explore une esthétique kitsch qui met en évidence les explorations de l’artiste, particulièrement quand elle questionne les mécanismes de pouvoir à même la production sociale des signes qui s’internationalisent dans l’imaginaire collectif à travers le temps. Ces objets passent par un processus de mécanisation et de dégradation jusqu'à devenir grotesques.
Dans son travail « Eyes Water Fire », Tomoyo Ihaya de Vancouver présente un éventail d’expériences créatrices qui cherchent à faire partager la dimension de la souffrance humaine. Elle tente de nous sensibiliser à travers une expérience artistique en tant que stratégie de sens face aux phénomènes comme l’exil et la violence. Tomoyo explore des moyens artistiques proches de la méditation. Dans l’ensemble de son œuvre elle explore une dimension spirituelle à travers des pratiques telles que la prière ou la guérison. Ces expériences prennent forme au moyen de différents médiums tels que la vidéo, le dessin et l’installation. L’artiste trace ainsi une route vers l’espoir grâce à l’empathie, l’art, la résilience et la dignité humaine.
Dans ce travail Tomoyo nous propose un univers où cohabitent trois éléments qui s’entrecroisent comme l’eau, le feu et les yeux. Dans sa démarche artistique chaque partie possède des contenus symboliques importants.
L’eau symbolise les frontières et le déplacement dans le territoire, les jambes représentent le déracinement. Tomoyo évoque plus spécifiquement l’expérience de l’exile en Inde de la communauté tibétaine qui a traversé à pied les montagnes et l’océan en bateau jusqu’a l’Inde.
Le feu est une référence à la résistance, la résilience et au sacrifice. L’immolation pratiquée par un nombre important de personnes dénonce la violence et l’excès de pouvoir et a pour objectif de promouvoir le respect et la dignité. Le feu est aussi présent dans la structure des dessins puisque souvent l’artiste brûle le papier, qui se nomme Gampi, en formant des trous avec des bâtons d’encens en acte de purification, de méditation et de prière. Ces trous ouvrent ainsi un espace, un espoir pour permettre de laisser passer un rayon de lumière.
Les yeux évoquent la conscience, la raison et invitent à la vigilance. Ils doivent être maintenus bien ouverts pour rendre visible la souffrance et nous engager en tant que témoins pour provoquer en nous des émotions et de l’empathie. Les yeux évoquent aussi la douleur représentée par des larmes noires.
Le travail de Tomoyo est fortement influencé par ces voyages en Inde et au Mexique. Tomoyo inclut dans cette exposition des références croisées et des objets trouvés dans ces territoires, elle s’intéresse particulièrement à des jouets en bois et en papier représentant des petits bateaux et à des objets de rituels catholiques du Mexique conçus pour la prière et appellés «milagros» ou «miracles» qui représentent des parties de corps tels que les yeux, les jambes ou le cœur.
À la façon d’un registre et d’un mémorial, Tommoyo accumule un grand nombre de dessins. Certains de ces dessins sont réalisés sur papier japonais de formats différents. Ceux qui sont exposés ici correspondent à une sélection de la série intitulée Dessins de Dharamsala (capitale du gouvernement tibétain en exile en Inde). Cette série a été commencée en 2012 par Tomoyo à partir d’un voyage en Inde. Ces dessins récupèrent des récits de rituels d’auto immolation comme forme de protestation. L’artiste a travaillé pendant six mois avec les communautés qu’elle a croisées et a documenté des immolations exécutées comme acte de résistance à travers différents médiums comme le dessin et la photographie.
Les deux vidéos ici présentés « Water Fire Eyes », sont conçus à partir des dessins de la série Dharamsala et sont une tentative à présenter un récit qui invite a la réflexion et au partage de cette quête de dignité humaine que Tomoyo nous propose à partir de l’acte artistique comme une stratégie de sens et de guérison, d’humanité et d’espoir pour faire face aux idéologies néfastes des sociétés contemporaines.
Ces deux artistes convergent dans une relation qui oscille entre des dynamiques de destruction et de reconstruction tant matérielle que cognitive. Toutes les deux collectent, documentent, rapprochent, tissent des ponts et des questions entre des univers humains et symboliques, matériels et spirituels.
De Souza nous rappelle la profonde et complexe relation avec le monde matériel exacerbé par la consommation. Elle compile, accumule déconstruit, résiste à l’oubli, bâtit des ponts pour traverser la frontière entre la matière, les symboles et la mémoire. Pour sa part, Tomoyo rend visible les mécanismes d’une forme particulière de résistance sociale qui prouve que le feu ne peut pas bruler la mémoire, ou réduire en cendre l’espoir ou la dignité. Ses dessins transmutent, transcendent les frontières disciplinaires et physiques en prenant de multiples formes contre l’invisibilité pour faire éprouver de l’empathie, source de spiritualité partagée par l’humanité. Finalement, si les esthétiques explorées par ces deux artistes apparaissent bien différentes, elles abordent l’acte artistique comme une forme de connaissance porteur de significations multiples.
Mariza Rosales Argonza